El maestro Haneke vuelve a la carga

amour michael haneke

Muy atrás quedaron los días de Funny Games y es palpable a cada momento de esta cinta, brindando la oportunidad de acercarnos a la madurez creativa de una de las mentes más singulares del siglo XX.

No espereis disparos, carreras ni acción trepidante porque lo que encontrareis seran planos largos, cotidianidad y reflexión en grandes cantidades, al más puro estilo europeo. Estamos ante un ejercicio de cinematografía en mayúsculas que se desarrolla pacientemente alrededor de una pareja en el ocaso de su vida, y de cómo superarán los problemas que irán encontrando.

De manera inteligente el guión nos permitirá conocer a ese par de viejecitos, interpretados por Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant, hasta llegar a un punto incómodo. Que para muchos podrá resultar excesivamente personal, pero así es Haneke y todos los productos que este señor firma. Esa estrecha relación con los personajes acabará convirtiéndose en un afilado cuchillo en nuestra contra, para que podamos empatizar lo máximo posible llegados al clímax.

Justamente éste no hará cómodo su visionado, ya que se encuentra muy lejos de cualquier forma de entretenimiento. En diversas ocasiones parecerá que todo transcurre demasiado despacio, o que podrían resumirse varias situaciones de una manera más amena. Es el precio que hay que pagar para trasportarse al interior del apartamente parisino en el que todo transcurre.

A cambio encontrareis una historia auténtica, extremadamente sincera y cercana que trata sobre la enfermedad y la muerte sin tabúes ni complejos. Mirándolas directamente a la cara y tratándolas exactamente como se merecen, alejándose de sentimentalismos y edulcorantes. Explícitamente realizado para invitar a la profunda reflexión. Un cuento que trata sobre el amor, pero sobre todo de valentía.

No es oro todo lo que reluce

10

Diseñador gráfico, animador, director de videoclips e ilustrador. Tres años para incubar su ópera prima y tres singles dejando el listón muy alto ¿Qué podemos esperar de “The Golden Age” el primer trabajo de este polifacético francés?

He de confesar las enormes espectativas que yo y miles de fans teníamos sobre este LP, por la siguiente razón: los tres videoclips que acompañaban los singles de adelanto “Iron”, “Run Boy Run” y “I Love You”. Es muy loable el talento y sensibilidad que ha demostrado dirigiendo estas piezas (aparte de sus trabajos para otros artistas con los que se ha ganado múltiples nominaciones). Lo digo como absoluto fanático de este formato audiovisual. Ahora vayamos al grano.

El álbum empieza con la canción homónima sirviendo de perfecta introducción. Un ritmo pausado, solemne. Poco a poco va acelerándose, cobrando fuerza pero manteniendo la calma para que justo al final te quedes abriendo boca para la siguiente pista “Run Boy Run”. Cuatro campanadas abren la veda a esta frenética epopeya clásica que va ganando en magestuosidad estribillo tras otro, sin duda uno de los mejores singles de 2012, que consigue que el ritmo no decaiga en ningún momento, poético pero demoledor.

Recoge el relevo “The Great Escape” un corte con cierto parecido al anterior que sin embargo no tiene tanta capacidad de convicción para el oído. Tras escucharla por primera vez queda una sensación de familiaridad, quizá por la caprichosidad del chorus , pierde un poco de fuelle hacia la segunda mitad, lo que sirve de adelanto a “Boat Song”. En completa calma, comienza a contar una melancólica historia de despedida, apareciendo acompañada de los primeros arreglos electrónicos, creando una pesadumbrada atmósfera de soledad junto al piano y unas tímidas trompetas. Creereis que el disco ya se ha acabado cuando cierre toda la instrumentación con un largo silencio pero no.

I Love You” interrumpe todo lo anterior para despertar a todo aquel que se haya quedado dormido. Con un sonido más pop que el resto de canciones, resulta un single bailable que consigue mantener la épica característica de este señor.
Tras esto la que podría llamarse perfectamente “Boat Song Segunda Parte” permite que vuelvan a decaer las pulsaciones. “Ghost Lights” intenta levantar el ánimo pero sin fuerza suficiente acaba silenciada y continuada con “Shadows” la más ambiental de todas. En este punto uno empieza a darse cuenta que sus deseos no se están haciendo realidad, y que esos tres potentes adelantos estan en clara inferioridad numérica con respecto a todos los demás baladones. Ese es un importante punto flaco. No porque sean malas, o aburridas (aunque más de uno las pasará sin remordimiento alguno) sino porque contrastan demasiado con los singles y eso le resta mucha cohesión al cojunto.

Si seguimos, la número diez nos soprende gratamente, y no sería de extrañar que se utilizase para un supuesto cuarto video musical. Una base propia de Philip Glass que te transporta a un viaje interestelar manteniendo la expectación, hasta el final. Incluso el breve y pausado interludio que la sigue casa con ella perfectamente. Esta canción sí merece estar entre los grandes, con cinco pistas más similares a esta y los despuntes, hubiese resultado un LP mucho más breve e interesante.

Para cerrar ya sólo queda mencionar “Iron“, lo primero que dió a conocer Yoann Lemoine de todo este inspirador proyecto, y por supuesto otro pilar básico. Estructura y ritmo impecables.
Con todo esto sobre la mesa, la sensación general es un tanto agridulce. El conjunto es excelente, y como banda sonora funcionarían, porque su composición y planteamiento son muy buenos (sin tener en cuenta que es su primer disco). Sin embargo cualquier persona que mañana mismo adquiera una copia va a sentir lástima, no por lo que és sino por lo que podría haber sido. El aura a su alrededor resulta demasiado ambiciosa y el conjunto estético de los videos acaba devorándose a si mismo.
Esperemos que el camino creativo que ha llevado estos años, le den fuerzas e ideas suficientes para impulsar a este talentoso creador a nuevos trabajos, que seguramente superen este esperado debut.

35 formas de contar una vida y cambiar la tuya

09

Este año uno de los personajes más influyentes y vanguardistas de la música cumple 20 años de carrera en solitario, y para celebrarlo nada mejor que un viaje por sus videoclips.

Como primera toma de contacto “Human Behaviour” del disco “Debut” resulta útil para mostrarnos su interés por lo plástico, y por lo simbólico ; que años más tarde resultará muy característico. Michel Gondry, uno de sus directores fetiche (y con el que comparte muchos gustos), nos ofrece unos personajes simplificandos como metáfora de la letra de la canción con cierto estilo Lynch, en un clip premolitorio donde los haya.

 

Venus As A Boy” cambia de contexto para mostrarnos a una joven que canta despreocupada mientras se hace la comida, acompañándo con sensuales gestos sus palabras. Esta muchacha encuentra con “Play Dead” (que formó parte de una B.S.O.) una especie de alter ego, donde contrasta un aspecto más programado y serio.

Big Time Sensuality” supone una declaración de principios, enfocando la felicidad en estado puro. Una faceta que no la abandonará jamás y por tanto resulta parte de su esencia: ese comportamiento libre de prejuicios y verguenzas, que puede parecer infantil porque antropológicamente hablando lo és.
Justamente esa felicidad acabará volviendose amarga con el siguiente: “Violently Happy“, con una estética más noventera, que explora de nuevo los opuestos a su video anterior: artifialidad, claustrofobia y desequilibrio.

 

A partir de estas cinco facetas diferentes, con la que parece buscar sus propios límites (del mismo modo que los directores que la acompañan), se comenzará a plantear un camino. Un rastro abierto a la experimentación pero con el que la artista irá mostrando su personalidad y sus gustos estéticos de una manera más segura y coherente.

 

Tambores y trompetas para su segundo trabajo “Post” anunciado por el single “Army Of Me” en el que vemos a una chica decidida a luchar por el amor pasando por una serie de situaciones un tanto surrealistas, jugando con las perspectivas y mostrando un universo muy particular en el que todo tiene cierto gusto a maqueta. Tanto este como el siguiente vuelven a estar a cargo de Mr. Gondry. “Isobel” nos devuelve a la naturaleza, otra de las claves estéticas de la artista. En el podemos ver un cierto cambio en el estilo del director, haciendo un trabajo más preciosista en coherencia con el tema.


Llega el turno de otro maestro Spike Jonze, para uno de los singles más divertidos de todos los tiempos “It’s Oh So Quite“, con la dificil tarea de dirigir este singular musical que reivindica el amor con el american way of life de fondo ¡la vida es maravillosa!


Gondry contraataca de nuevo con más plasticidad, pero de una manera revitalizada, introduciendo una parte más tecnológica con sus viejas formulas en “Hyperballad“. A destacar eso movimiento de cámara a lo largo de  todo el video y permite ese juego entre las diferentes imágenes superpuestas, un trabajo impecable y una superación para el francés.


Sangre nueva llega con “Possibly Maybe” que resulta un collage entre diferentes estéticas y que por momentos parece una carta de despedida para la antigua Björk que dejó atras “Debut”. Un año despúes es lanzado “I Miss You” de la mano del animador John Kricfalusi para ofrecernos una paranoia que en ocasiones parece dibujada por Hanna Barbera pero mucho más retorcida, sexual e infantil al mismo tiempo (aunque parezca imposible).


Es el momento del gran “Homogenic”, que comenzará su etapa más personal y disfrutable, uno de los discos más influyentes para la islandesa y todo el sector musical del aquel momento.

(Continuará!)

Hay un cielo esperándonos a todos más allá de las nubes

08

4 años y medio de desarrollo ha necesitado Irrational Games para presentar su última obra, Bioshock Infinite, un videojuego clave para entender el desarrollo e impacto económico que esta industrial a alcanzado en los últimos años.

En 2007 aparece Bioshock discretamente para colocarse en top ten de las plataformas actuales, sucesor espiritual del antiguo System Shock, estableciendo las pautas para lo que un shooter debía profundizar en cuanto a historia, acción y ambientación. En 2010 su secuela Bioshock 2 continúa la línea argumental con la intención de arrojar en poco más de luz entre los lúgubres edificios de la submarina ciudad de Rapture, añadiendo profundidad a una de las historias más originales que pueden ser jugadas. Pocos meses después se sube a Youtube este teaser demoledor:

Esta es la historia de cómo un juego se convierte en clásico conforme inicias partida. Vale, es cierto, como shooter no se trata de ninguna sorpresa dentro del género. No han inventado la rueda. Un primera persona con sus mapas de acción, sus puzzles, jefes finales y mucha munición. En ese sentido los gamers que disfrutan de virguerías como Minecraft, no las encontraran.

En cambio lo que tenmos aquí es el mayor trabajo de diseño realizado hasta la fecha en un producto de este tipo, y en cualquiera de los campos a los que puedas vincular la palabra diseño. Todo. Todo está pensado para conducir al jugador al interior de este universo estéticamente afilado y definido hasta el detalle para inquietar y seducir al mismo tiempo.
El trabajo de escenorafía ha superado a lo anterior en la saga presentando decenas de escenografías, interiores, decoraciones, cientos de objetos situados cronológicamente en 1912. Y acompañados constantemente por una banda sonora a la misma altura que combina piezas clásicas con otras creadas propósito para convertir la experiencia en un tren de la bruja en el que dejarse llevar para maravillarse, y al que de seguro no querrás bajarte hasta el final.

Intercalando a los personajes principales (muy bien caracterizados) en mitad de una guerra civil por conquistar Columbia, esa ciudad utópica que flota por encima de las nubes, y que acabará simbolizando la ambición humana y el sacrifio, una temática ya característica de la saga. Escribiendo una historia efervescente,  que hurga en la ética y la moral de la organización de las sociedades antiguas y actuales.

Así podría describir durante horas toda esa atmósfera que rodea y enriquece esta experiencia; caminar por esas avenidas soleadas, las familias felices paseando por los parques y las doradas estatuas como guindas de la bienaventuranza. Sólo depende de tí adentrarte y descubrir la sombra que aguarda impaciente detrás de todo esto.

La vida televisiva más allá de zombis, tronos y crímenes

07

Como ya es habitual en las series televisivas, doce meses después ha vuelto Black Mirror, y con la misma intención: remover las conciencias.

¿Pero de qué va esta serie? Para los que no la conozcan se puede resumir rápidamente: tres capítulos por temporada, que cuenta una historia diferente e independiente en cada uno. ¿Qué tienen en común? Ansiedad, incomodidad, desasosiego,… a cada espectador le trasmitirá emociones diferentes, pero a ninguno dejará indiferente. Cada una de las historias (y de las otras tres anteriores) presentan un “qué pasaría si…” relacionado directamente con el mundo actual y la tecnología, sirviendo como reflexión crítica de hasta que punto puede cambiar nuestra vida, y el papel que tenemos nosotros al respecto.

Lo interesante del concepto es la forma de plantear cada relato, ya que las consecuencias planteadas son mostradas hasta el extremo, sin ninguna piedad del espectador. Ahí es donde brilla más fuerte, dejando una inquietante sensación de “podría ocurrir” que en ciertos capítulos es dificil de borrar. Todo gracias al principal guionista e impulsor, Charlie Brooker, que presenta el futuro con un estilo creíble e inteligente. Además cada capítulo renueva tanto la dirección del equipo técnico como el reparto, haciendo que nuevos sabores lleguen al espectador con cada bocado, aunque dejándolo siempre con hambre, y manteniendo un nivel de calidad en el resultado excelente.

Así pues este tímido proyecto para la televisión británica (que desafortunadamente lleva siglos de ventaja a la española), ha ido ganando fans entre los habituales consumidores de series, aún saliéndose del molde típico de formato televisivo, para convirtiéndose en una apuesta valiente y cada vez más firme.

Espejito, espejito ¿Cuál es la película más buena del reino?

06

Lo más complicado a la hora de sentarme a ver esta película ha sido despojarme de los complejos que tenía hacia ella en el caso de que finalmente lo consiguiera. Por mucho que no queramos todo interviene, y hacer una película titulada Blancanieves, filmada en blanco y negro, muda, y en 2012; es lo peor que podría haber hecho Pablo Berger (dirección y guión).

Lo que seguramente en un principio fue planteado como un proyecto original y diferente, la casualidad del destino ha hecho que compartiera año con dos versiones del cuento clásico muy malas discutibles, con la aparición de la todopoderosa “El Artista”, estrenándose en último lugar y siendo además de producción nacional (sí, para mucho sigue siendo tabú). Por último hay que sumar que es una de las historias más famosas del cine moderno, todo el mundo conoce el final.

La casualidad es la única culpable de estas circunstancias, pero creo que todo en la vida tiene una cara buena y en este caso es justamente esa desconfianza con la que daréis al play el mayor cebo de la cinta. Un telón rojo se abre solemnemente, comienzan a desfilar los primeros planos y con ellos desplegándose un hipnótico encanto que poco a poco se enrolla por brazos y piernas, y en cuestión de minutos atrapa.

El señor Berger que conoce a la perfección los problemas de trabajar a partir de un cuento tan popular recoge cada pieza del relato original para convertirla hábilmente en un punto a favor en la nueva versión. Recorriendo el mismo camino pero trasmitiendo la sensación al espectador de querer destapar una carta tras otra, descubierndo situaciones extrañamente familiares, transformadas en algo fresco, pero desarrolladas de manera exquísitamente sencilla. Permitiendo introducir el mundo de la tauromaquia de la manera más bella y personal posible, sin olvidarse de una pizca de humor, otra de drama y otra de grotesco surrealismo daliniano.

Quedas introducido en ese pequeño universo monocromático una calurosa tarde de abril de 1910, en la plaza de toros La Colosal de Sevilla, gracias al grandísimo trabajo de documentación y posterior recreación. Cuidando hasta el mínimo detalle, sirviendo de base perfecta para el trabajo de Maribel Verdú, Macarena García y Daniel Giménez Cacho; para bordar una de las actuaciones más brillantes de cada una de sus carreras respectivamente. Ni que decir tiene que en oportunidades como ésta, la música sale beneficiada, que en este caso está a la altura de todo el equipo artístico, compuesta por Alfonso Vilallonga.

Con todo esto no puedo más que recomendar encarecidamente esta preciosista colección de fotografías antiguas, con la que disfrutar del mismo modo que un niño pequeño que escucha por primera vez la historia sin pestañear.

El niño malo de MTV

05

Sé que no es noticia estos días, no hay ninguna razón para pronunciar su nombre en vano, pero aquí tenían que haber unas palabras dedicadas al rey mago del mainstream, el señor Romain Gavras.

Puede encontrarse por la web el motivo de ese apellido de origen griego, pero eso no le quita mérito, ya que pocos años ha acabado ganándose un reconocimiento mundial y consiguiendo que sus videoclips tengan ese sello personal, ese toque Gavras que hurga en la herida, que resulta incómodo, que muestra escenas de violencia o discriminación; pero que jamás abandona esa poesía visual igualmente propia.

Un claro ejemplo el video “Stress”, realizado para el dúo de electrónica francés Justice:

Con una atmósfera sonora muy agobiante, esa pequeña panda de bastardos con la cruz a cuestas muestran unas tendencias peligrosas que resultan extrañamente familiares, pareciendo totalmente real cada situación, y multiplicando así su efecto incomodante en el espectador. Una sensación que dos años después la potencia al máximo con uno de los mejores clips del 2010, el polémico “Born Free“. Espectacular.

Otras dos piezas claves de su particular visión se revelaron con “I Believe” y mucho después con “Bad Girls“, en el que a partir de unos planos que muestran a gente del lugar, se acerca extrañamente al mockumentary, creando un gran contraste con los propios artistas que parecen extraterrestres extranjeros.

Su última aportación pública ha sido para el proyecto conjunto de Jay-Z y Kanye West, y en absoluto ha perdido fuerza. Ese “No Church in the Wild” suena más fuerte (si cabe) sobre las imágenes del video.

Podemos estar tranquilos, ya que esto acaba de empezar.

Joven folk irlandés buscar quedarse a vivir en tu ipod

04

Hace ahora dos años, una fría mañana Conor O’Brien se despierta, se lava la cara frente al espejo y piensa: soy el peor compositor del mundo. Con esa semilla, esa ruptura, comienza a brotar lentamente el proceso creativo de uno de los mejores álbumes que el 2013 nos deparará.

Esto puede sonar arriesgado, el año acaba de empezar, pero la sensibilidad de este joven estudiante de literatura inglesa no es nada usual. Compuesto por 11 cortes (en su edición básica), {Awayland} desarrolla un abanico de canciones imparable, en el cual uno no puede hacer más que dejarse llevar por cada estación. Empezando de una manera bastante inofensiva, de repente empiezas a encontrar grandes menhires (“Earthly Pleasure”, “The Waves”, “The Bells”) que harán que dejes de hacer lo que estabas haciendo y viajes a un pequeño pequeño puente donde un tipo de lo más corriente sostiene un guitarra.

Se puede situar dentro del indie folk, la primera vez que lo escuché me pareció un joven Bon Iver, pero se puede encontrar en el LP todo tipo de instrumentación, gracias a sus diferentes influencias musicales entre las que está Aphex Twin, confiesa.

En pocos días tras su lanzamiento ha alcanzado los primeros puestos en las listas irlandesas e inglesas, y espero que tenga aún más suerte que con su primer disco, con el que ya se ganó el cariño de la crítica y público. Podeis escucharlo entero aquí.

And the Oscar goes to….

03

Hace unos días, a traves del twitter de @behance se anunciaron los National Design Awards, un importante premio a nivel mundial al cual optaron los proyectos más interesantes procedentes de norteamérica de este año pasado.

Behance es una de las redes sociales más importantes dentro del mundo del diseño en cualquiera de sus vertientes, además del portafolio online de medio planeta muchos profesionales (incluyendo a servidor), y por eso han aprovechado para exponer los trabajos finalistas a modo de gallería online, donde además se pueden consultar los premiados por el Museo Nacional de Diseño Cooper-Hewitt de ediciones anteriores.

Entre todas las obras se pueden encontrar: diversos diseños interiores para oficinas (ahora que se están convirtiéndose en salas de juego),  tecnología, el branding de las famosas TED, mobiliario exterior o arquitectura. Vale la pena acercarse a cada proyecto, porque ofrece un producto diferente, con un resultado que roza la perfección,  recultados de una gran financiación y en manos de los más reconocidos de cada sector.

Una buena manera de tomarle el pulso al mundo del diseño contemporaneo que avanza cada vez más rápido, para suerte de todos los que nos apasiona.